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SPACE776 서울은 2026년 3월 6일부터 4월 1일까지 윤송이 (Born in ~1983, Busan)의 개인전 SHIFT를 개최합니다. 이번 전시는 윤송이 작가가 제61회 베니스 비엔날레 병행 전시에 공식 초청된 것을 기념하여 열리는 서울 개인전으로, 2008년 첫 개인전을 시작으로 2013년 뉴욕으로 활동 무대를 옮긴 이후 현재까지 이어져 온 작업의 흐름과 사유의 변화를 차분하게 되짚습니다.

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윤송이의 작업은 초기부터 회화와 설치를 오가며 물질이 지닌 감각적 성질과 그 이면에 존재하는 비가시적 요소에 지속적으로 주목해 왔습니다. 작업에서 중심이 되는 것은 완결된 형태나 이미지라기보다, 형태가 생성되고 사라지는 조건, 물질이 남기는 흔적과 그 배후에 놓인 시간, 기억, 에너지와 같은 비물질적 차원입니다. 이러한 관심은 작가의 작업 전반을 관통하는 질문, 즉 보이지 않는 것이 어떻게 감각 가능한 상태로 드러나느냐는 문제의식으로 이어집니다.

2008년을 기점으로 전개된 초기 작업에서는 회화적 표면과 공간적 구조를 통해 물질의 밀도와 긴장을 탐구하는 시도가 두드러집니다. 화면은 이미지를 재현하는 공간이 아니라 감각이 축적되고 소실되는 과정을 담아내는 장으로 기능하며, 설치 역시 공간을 채우기보다는 감각의 흐름을 조율하는 방식으로 구성됩니다. 이러한 작업들은 이후 전개될 연구의 출발점이자, 물질과 비물질의 관계를 장기적으로 탐구하는 작업의 토대를 이룹니다. 2013년 뉴욕으로의 이동은 작업 환경뿐 아니라 사유의 방식에도 중요한 변화를 가져옵니다. 뉴욕에서의 활동은 동시대 미디어 이론과 현대 과학, 동양 철학과 고대 사유를 폭넓게 탐색할 수 있는 조건을 제공하였고, 이는 작업을 특정 매체나 형식에 고정시키기보다 연구 기반의 실천으로 확장시키는 계기가 되었습니다. 이 시기 이후 윤송이의 작업은 결과로의 이미지나 완결된 형태보다, 비가시적 현상이 매체를 통해 드러나는 조건과 과정 자체에 더욱 집중하게 됩니다.

이러한 흐름 속에서 윤송이는 자신의 작업을 설명하기 위한 개념으로 Intangible Art를 제안합니다. Intangible Art는 특정 장르나 표현 방식을 지칭하는 용어가 아니라, 비물질적이고 보이지 않는 차원이 물질과 매체를 통해 잠시 드러나는 상태를 탐구하는 연구적 태도를 의미합니다. 여기서 작품은 하나의 완결된 결과라기보다, 비가시적 현상이 감각의 차원으로 전이되는 순간을 기록한 흔적으로 이해됩니다.

윤송이의 회화에서 화면은 이미지를 재현하기 위한 평면이 아닙니다. 화면은 비가시적 현상이 물질적 표면 위에 잠시 머물렀다 사라진 흔적을 담아내는 장이며, 색채와 레이어는 형태를 고정하기보다 생성과 소멸, 축적과 소실이 반복되는 상태를 드러냅니다. 회화는 하나의 이미지가 아니라, 비물질적 사유가 물질로 전이되었다가 다시 흩어지는 과정의 일부로 작동한다. 설치 작업 역시 동일한 맥락에서 이해됩니다. 설치는 공간을 점유하기 위한 구조물이 아니라, 비어 있음과 불완전함을 통해 관객이 보이지 않는 에너지와 시간성을 감각하도록 만드는 조건입니다. 관객은 작품 앞에 서 있는 관찰자가 아니라, 물질과 비물질 사이를 오가는 경험자로 위치하게 되며, 이 과정에서 작품은 인식이 변화하는 순간을 만들어냅니다.

SHIFT라는 전시 제목은 이러한 작업 전반을 관통하는 이동과 전환의 개념을 함축합니다. 이는 한국에서 시작해 뉴욕으로 이어진 물리적 이동을 가리키는 동시에, 작업 태도와 사유 방식의 변화, 그리고 물질과 비물질 사이를 오가는 인식의 전환을 함께 내포합니다. 본 전시는 윤송이 작가가 2008년 이후 제작해온 주요 작업들과 공공기관 전시에서 선보였던 작품들을 함께 구성하여, 작업을 연대기적 사건의 나열이 아닌 하나의 지속적인 흐름으로 제시합니다.

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이번 서울 개인전은 윤송이 작가가 국제 무대에서 중요한 전환점을 맞이한 시점에 열리는 전시입니다. 제61회 베니스 비엔날레 병행 전시에 대한 공식 초청은 작가가 오랜 시간에 걸쳐 탐구해온 Intangible Art에 대한 연구가 국제적 맥락에서 주목받고 있음을 보여주는 계기며, SPACE776 서울에서 열리는 이번 전시는 이러한 흐름을 국내에서 함께 공유하고 기념하는 전시입니다. 베니스에서 열리는 국제 전시가 작가의 작업을 세계적인 담론 속에 놓는 자리라면, 이번 서울 개인전은 그에 앞서 작업이 형성되어 온 시간과 개념의 궤적을 차분하게 되짚어보는 전시입니다. 베니스 비엔날레에서 선보이는 병행 전시는 인간이 약 1만 년에 걸쳐 축적해온 역사 속에서 언어적 소통이 어떻게 형성되고 전승되어 왔는지, 그리고 이러한 언어의 흐름이 시간의 감각과 어떻게 맞물려 있는지를 사유하는 전시입니다.

이 전시는 언어를 단순한 전달 수단이 아니라 인간의 기억과 경험, 시간의 층위를 묶어주는 구조로 바라보며, 서로 다른 시대와 문화가 어떻게 연결되어 왔는지를 함께 살펴봅니다. 윤송이의 작업은 이러한 맥락 속에서 물질과 비물질, 가시와 비가시의 경계를 탐구해온 연구로 제시되며, 인간의 장기적인 시간 감각과 소통의 문제를 동시대적으로 다시 생각하게 합니다.

SPACE776 Seoul is pleased to present SHIFT, a solo exhibition by Song E Yoon (Born c. 1983, Busan), on view from March 6 to April 1, 2026. This exhibition commemorates the artist’s official invitation to participate in a Collateral Event of the 61st International Art Exhibition – La Biennale di Venezia. Marking an important moment in her international trajectory, the Seoul presentation offers a contemplative reflection on the evolution of her practice—from her first solo exhibition in 2008, through her relocation to New York in 2013, to the present.

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From the outset, Song E Yoon’s work has moved fluidly between painting and installation, consistently focusing on the sensory properties of material and the invisible dimensions that underlie it. Rather than emphasizing completed forms or fixed imagery, her practice centers on the conditions through which forms emerge and dissolve—on the traces material leaves behind and the immaterial layers of time, memory, and energy that accompany it. This sustained inquiry raises a fundamental question that runs throughout her work: how can the invisible become perceptible?

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In her early works beginning in 2008, she explored density and tension within material through painterly surfaces and spatial structures. The canvas functions not as a site of representation but as a field in which sensation accumulates and dissipates. Her installations similarly do not seek to fill space, but rather to modulate the flow of perception within it. These early investigations laid the foundation for her long-term research into the relationship between material and immaterial realms.​

Her relocation to New York in 2013 marked a significant shift, not only in environment but also in intellectual orientation. The move provided broader access to contemporary media theory, modern science, Eastern philosophy, and ancient systems of thought. Rather than anchoring her practice to a specific medium or formal language, this period expanded her work into a research-driven methodology. Since then, Song E Yoon has focused increasingly on the conditions and processes through which intangible phenomena are mediated, rather than on finalized images or static forms.

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Within this trajectory, she proposes the term Intangible Art as a conceptual framework for her practice. Intangible Art does not designate a genre or stylistic category; rather, it describes a research-oriented attitude toward the moment when invisible, immaterial dimensions temporarily surface through material and media. In this understanding, an artwork is not a final object, but a trace—a record of the moment when the invisible transitions into the sensory realm.

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In her paintings, the surface is not a plane of depiction. It is a site where intangible phenomena briefly reside before dissolving. Color and layered structures do not stabilize form; instead, they reveal cycles of emergence and disappearance, accumulation and dispersion. Painting becomes part of an ongoing process in which immaterial thought moves into material form and disperses again.

Her installations operate within the same logic. They are not structures that occupy space, but conditions that allow viewers to sense time, absence, and invisible energy. The viewer is not positioned as an observer standing before an object, but as an experiential participant navigating the space between material and immaterial. In this encounter, the artwork generates a moment of perceptual transformation.

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The exhibition title SHIFT encapsulates this overarching movement and transition. It refers not only to the artist’s physical relocation from Korea to New York, but also to the evolution of her thinking and working methods, and to the perceptual shifts between material and immaterial states. Rather than presenting her practice as a chronological sequence of events, the exhibition assembles key works created since 2008—including works previously shown in public institutions—into a continuous and unfolding trajectory.

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This Seoul exhibition takes place at a pivotal moment in Song E Yoon’s career. Her official invitation to the Collateral Event of the 61st Venice Biennale signals international recognition of her long-standing research into Intangible Art. If the Venice presentation situates her work within a global discourse, the Seoul exhibition offers a reflective space to trace the temporal and conceptual formation of her practice.

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The Collateral Event in Venice examines how linguistic communication has developed and been transmitted over approximately ten thousand years of human history, and how these linguistic structures intersect with our perception of time. Language is approached not merely as a tool of transmission, but as a structural system that binds memory, experience, and layered temporalities. By exploring how different eras and cultures remain interconnected, the exhibition proposes a broader reflection on continuity and transformation.

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Within this context, Song E Yoon’s work is presented as an inquiry into the boundaries between material and immaterial, visible and invisible. Her practice invites renewed consideration of long-term human temporality and the evolving structures of communication—offering a contemporary reflection on how perception, language, and time intersect within the ongoing flow of history.